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Peinture à l'huile: Portraits de nature morte: L'art rempli de livres d'Ephraim Rubenstein

Peinture à l'huile: Portraits de nature morte: L'art rempli de livres d'Ephraim Rubenstein

Ce peintre à l'huile constate que sa série continue de peintures représentant des livres lui permet de s'aventurer dans un certain nombre de thèmes, y compris l'autoportrait.

Voir une galerie exclusive en ligne de travaux Rubensteins.

par William Chapman Sharpe

La Grande Guerre et moi
par Ephraim Rubenstein, 1998-1999,
huile, 72 x 60.
Collection de l'artiste.

Peintre né à Brooklyn Ephraim Rubenstein est un maître de plusieurs genres, dont la peinture de figures, les paysages et les portraits. Pour Rubenstein, qui enseigne le dessin et la littérature artistique à l'Art Students League de New York et à la National Academy School of Fine Arts, toutes deux à New York, les livres ne sont pas simplement des objets inanimés mais des conteneurs éloquents de sens imprégnés de la vie de leur posséder. Dans ses peintures à l'huile, ils apparaissent sous de nombreuses formes, inspirations et guides ainsi que documents de vie personnelle et familiale. L'un de ses premiers succès a été Autoportrait aux livres, acheté par le Metropolitan Museum of Art, à New York. L'artiste y définit sa propre personnalité en faisant émerger son image entre un premier plan de livres d'art ouverts sur son bureau et un fond de piles de livres et d'accessoires artistiques qui font écho visuellement à son torse et à sa tête. Ces dernières années, Rubenstein a continué d'explorer son sens évolutif de la vie et de la mortalité dans une série ouverte de tableaux de natures mortes qui dépeignent des livres dans une variété de poses. Il les organise avec désinvolture, empilés ou répartis en petits groupes, ou en combinaison avec des lentilles et d'autres appareils optiques. Parfois, il devient plus agressif, les représentant empilés au hasard, écartés, désagrégés, même cloués au mur ou brûlés.

«J'ai grandi à une époque», explique Rubenstein, né en 1956, «alors que la nature morte était censée être largement formelle; traiter les objets comme ayant une signification émotionnelle était complètement écarté. » Mais Rubenstein admirait l'art chargé de contenu du passé, et il a trouvé dans la nature morte une riche veine de minerai artistique qui mérite d'être exploitée. Réaliste méticuleux, il prend plaisir à participer à une tradition remontant à la Renaissance. "Je suis ravi de m'impliquer dans une manière de peindre qui me relie non seulement aux artistes des temps anciens mais aussi aux objets qui définissent ma propre vie dans le monde réel", dit-il. «Les plus grands artistes que je connaisse sont humbles face à la nature. Le monde est si beau et complexe qu'il semble arrogant de prétendre améliorer ce que nous voyons; Je fais juste de mon mieux pour capturer la richesse que je trouve dans le monde qui m'entoure. »

Nature morte aux livres jetés II
1996, huile, 24 x 20.
Collection Sasha et Bill Anawalt.

Comme Rubenstein le suggère, la nature morte a souvent été considérée comme un genre dans lequel la signification intellectuelle ou émotionnelle prend le pas sur les préoccupations formelles. Que le sujet soit un bol de fruits, un vase de fleurs ou une table chargée de drapeaux de vin et de gibier tout juste tué, la nature morte permet à l'artiste d'explorer le design, la texture, le volume, la couleur et la lumière. Au cours du siècle dernier, la nature morte a agi comme une sorte d'indicateur sismique de bouleversements artistiques. Il serait difficile d’imaginer l’art moderne sans les tournesols de Van Gogh, les tables fruitées de Cézanne, les guitares fracturées et remontées de Picasso et Braque, ou les boîtes de soupe de Warhol.

La nature morte telle que nous la connaissons provient des peintures hollandaises des XVIe et XVIIe siècles dans lesquelles les artistes montraient, souvent littéralement, les fruits de nouvelles connaissances et richesses - avec quelques réflexions moralistes sur les fondements spirituels de leur culture mélangés. Une table encombrée avec sa nourriture, ses plats et ses articles ménagers, tels que ceux peints par Willem Claesz Heda, en dit long sur la vie quotidienne, le commerce mondial et l'évolution de la science de la perception à son époque. Mais les attitudes de sa société à l’égard de ces objets sont également exposées, en tant qu’emblèmes de la fugacité qui rappellent aux gens leur court séjour sur terre - les éléments vanitas compositions. Qu'il s'agisse d'une table dressée, d'instruments de musique, de fleurs ou d'armes, presque tous soulignaient le caractère transitoire même des objets commémorés par le peintre. Pour eux, les livres peints indiquaient une distraction frivole plutôt qu'un refuge contre elle. Et c'est vrai, bien que les livres prétendent donner une connaissance durable, leur être physique est soumis aux déprédations du temps tout comme le corps humain.

Autoportrait
Avec des livres

1984–1985, huile,
36 x 54. Collection
Le musée Métropolitain d'art,
New York, New York.

Rubenstein se réjouit de travailler avec de telles conventions, puis de les tourner sur la tête. Plutôt que de dépeindre une vie qui sera bientôt perdue, sa peinture La Grande Guerre et moi transforme le genre en ramenant une vie perdue à la conscience. Inspirée par la découverte du journal intime de son grand-père en temps de guerre, la toile dépeint l'expérience d'un fantassin de la Première Guerre mondiale grâce à la disposition minutieuse des reliques de l'armée que Rubenstein a trouvées dans le grenier de ses parents. Rubenstein réanime les éléments traditionnels de la scène de la vanité en les plongeant dans le contexte mortel de la guerre des tranchées du XXe siècle. Une montre-bracelet remplace la montre de poche des maîtres hollandais; masque à gaz, casque et pelle jouent le rôle d'épée et de cuirasse; un manteau et des cartes imitent les plis de la draperie en satin; les photographies remplissent les portraits peints. Il y a même des fleurs, sous la forme de coquelicots du jour du Souvenir en papier rouge, tandis que la vaisselle en argent élaborée des jours de gloire de la Hollande est remplacée par un kit de désordre en étain, avec une cantine bosselée faisant office de bouteille de vin et de gobelet.

Nature morte aux livres jetés I
1996, huile, 36 x 46.
Collection Deloitte Touche,
Washington DC.

Le journal intime de son grand-père occupe une place de choix au centre de la composition. À propos du petit livre qui a déclenché cette déclaration artistique substantielle, Rubenstein dit: «Avec ses pages minces bibliques, c'est comme tout mon effort, ramenant à la vie des objets et des expériences qui étaient restés stockés pendant de nombreuses années.» Le journal rassemble comme par magie les artefacts muets regroupés autour de lui: le sac à dos et la chemise avec la médaille d’honneur couchée dessus deviennent le dos et la poitrine du soldat; le masque à gaz et le casque composent son visage, ses poumons et sa tête. Ensemble, ils construisent ce que Rubenstein appelle «un portrait de mon grand-père, des attributs sans corps». La boîte en carton ouverte sous la table n'est pas seulement la source des souvenirs du tableau; il fonctionne également comme une tombe ouverte d'où s'élève le soldat ressuscité. L'écran de fond plié en trois parties, Rubenstein transforme le portrait de nature morte, avec ses pièces sur une table en forme d'autel, en retable, vénération de son sujet. L'ensemble équivaut à une somme scrupuleusement assemblée de pièces émotionnellement en mouvement, la vie d'un soldat démonté restaurée pour la contemplation du spectateur moderne.

Bien que la découverte d'un livre ait conduit Rubenstein à réfléchir à la guerre, dans des peintures récentes, il a découvert que la guerre peut ramener aux livres. Il y a plusieurs années, il a été chargé de peindre un tableau pour un groupe de survivants de l'Holocauste. Alors qu’ils parlaient, une histoire le touchait particulièrement, des soldats nazis jetèrent une bibliothèque et son contenu par la fenêtre de la maison d’une famille berlinoise. Rien de pire, pensait le futur détenu d'un camp de concentration, que de voir les livres piétinés et allongés dans la rue. Profondément ému, Rubenstein rentra chez lui et assembla une pile de vieux livres qu'il avait transportés avec lui au fil des ans, incapable de se résoudre à en disposer. Il se força à les jeter à plusieurs reprises contre le mur, jusqu'à ce qu'il arrive avec les compositions enregistrées dans Nature morte aux livres jetés I, II, et III.

Nature morte aux livres jetés III
1997, huile, 18 x 25.
Collection Lori et Roland Pease.

"Il y a quelque chose de très humain dans les livres", explique Rubenstein. "Ils ont des épines, tout comme nous." Les livres, en tant qu'objets inanimés qui parlent chaque fois que nous les ouvrons, sont une catégorie spéciale de nature morte - toujours immobile, mais toujours vivante. Contrairement aux Néerlandais, qui affineraient leur message moral en délimitant clairement les titres de livres et les passages littéraires, Rubenstein préfère laisser les téléspectateurs remplir ces informations pour eux-mêmes. "J'aime garder l'identification des livres délibérément vague", dit-il. Rubenstein accentue également une dimension différente de la «durée de vie» car ses livres semblent souffrir et mourir. Dans les livres ravagés de Rubenstein, avec leurs entrailles renversées vers nous, nous lisons une histoire visible d'endurance désespérée, comme s'ils étaient victimes de persécution ou de torture. Défiant son sang-froid, il arrangeait ses images avec une violence croissante, clouant même un livre au mur. «Je l'ai éventré», dit-il à propos du corps du livre suspendu dans Nature morte aux livres détruits I.

Enfin, il a brûlé des livres. «Cela m'a horrifié de le faire», dit-il. "Cela va totalement à l'encontre de mon éducation et de mes valeurs." Mais la peinture résultante, Nature morte aux livres brûlés, étonne par sa simplicité révérencielle. Les trois livres calcinés peuvent être lus comme un triptyque lugubre, une offrande brûlée d'objets sacrés.

Nature morte aux livres détruits I
1997, huile, 40 x 32.
Collection privée.

Au fil des ans, Rubenstein a découvert que travailler sur une série de peintures centrées sur un seul sujet lui donne une chance d'aborder le changement dans un format fixe. "Ce que j'aime dans une série", explique Rubenstein, "c'est qu'elle peut agir comme un moyen de narration, un moyen de vaincre la nature morte du médium du peintre lui-même." La série la plus complète de Rubenstein à ce jour traite de ce qu’il appelle son motif «pile de livres». Il empile des livres, aussi peu que trois ou jusqu'à 20, les tournant de cette façon et de telle sorte que les pages, les couvertures et les reliures forment une séquence riche et sensuellement éclatante de couleurs, de formes et de textures. En lambeaux et déchirés, les volumes Livres: Pile V et Livres: Pile XIXsuggèrent le message inquiétant de la mortalité humaine vu en néerlandais memento mori, tandis que les belles couleurs complémentaires des bords du livre Livres: Pile VI se détachent avec éclat sur leur fond noir, comme des fleurs jaillissant d'un sol sombre.

Jouant les couvertures brillantes mais vulnérables contre les pages blanches ou jaunissantes qu'elles contiennent, Rubenstein a trouvé un moyen de traiter sa nature morte comme une composition abstraite, tout en conservant les allusions à l'existence humaine qui comptent beaucoup pour lui. Seuls dans leur univers soigneusement éclairé, les livres forment et révèlent leur propre architecture. Les piles nous demandent de réfléchir à la construction et à l'équilibre, et aux forces qui pourraient faire tomber ces tours de Babel silencieux.

Nature morte aux livres brûlés
1997, huile, 39 x 50.
Collection privée.

Rubenstein utilise un viseur composé de deux L en carton attachés ensemble pour l'aider à arriver à ses compositions. "Le viseur me permet de prévisualiser le sujet", explique l'artiste, "et me donne une bonne idée de la façon dont ce que je regarde se traduira en deux dimensions." Il fait généralement un dessin soigneux du sujet avant de commencer à peindre. "Jusqu'à ce que j'aie élaboré le dessin, je ne sais même pas quelle taille ou forme pour faire la toile", dit-il. Après avoir terminé le dessin, il le transfère au lin à l'aide de papier graphite, puis procède à une sous-peinture monochromatique légère - une grisaille - à l'aide d'un lavis dilué au Turpenoid. «Je pense au processus de peinture par étapes, et chaque étape m'aide à résoudre certains problèmes», explique l'artiste. «Je travaille sur les problèmes de conception - taille, échelle et composition - pendant la phase de dessin. L'étape de sous-peinture me permet de voir les grands motifs de lumière et d'obscurité et me fait savoir que tout est en place. Une fois cela fait, je peins l'image en couleur très directement. Parce que j'ai fait tout ce travail préliminaire, je peux passer mon temps à penser à la couleur seule. Par exemple, je n'ai pas à me soucier de savoir si un livre particulier est de la bonne taille ou bien orienté sur la pile - je le sais déjà. Maintenant, je peux me concentrer complètement sur quelle couleur c'est. »

Nature morte avec des livres, des miroirs et des lentilles II
2003, 48 x 92.
Collection de l'artiste.

Bien que les natures mortes de Rubenstein jouent sur la sensualité et la mortalité, ses pensées continuent de revenir sur la façon dont les livres représentent et façonnent nos vies. «Non seulement les livres font partie de ce que nous voyons, mais ils nous apprennent à voir», commente-t-il. L'une de ses images les plus complexes est un autoportrait de Rubenstein au travail, bien qu'il n'y apparaisse pas directement. Nature morte avec des livres, des miroirs et des lentilles II se concentre littéralement sur les outils du métier d’artiste au cours des siècles, les livres qui façonnent nos idées sur le monde et les dispositifs optiques qui nous aident à mieux percevoir le monde. Le miroir ovale au centre de la composition suggère la tête du spectateur - une tête qu'il ne reflète pas. Au lieu de cela, nous voyons l'image réfléchie d'un livre et d'une lentille - essentiellement, un esprit et un œil. À travers cela, un autre «portrait sans gardien», Rubenstein se lie directement aux grandes traditions de la nature morte et à la signification sous-jacente du genre.

À propos de l'artiste
Ephraim Rubenstein est artiste et membre du corps professoral de l'Art Students League de New York et de la National Academy of Design School, toutes deux à New York. Son travail fait partie de nombreuses collections publiques et privées, dont le Metropolitan Museum of Art, à New York, et peut être consulté sur www.ephraimrubenstein.com.

William Chapman Sharpe est professeur d'anglais au Barnard College de la Columbia University, à New York. Il a reçu des bourses de la National Endowment for the Humanities, de la Fondation Andrew W. Mellon et de la Fondation John Simon Guggenheim Memorial. Sharpe écrit sur l'art, la littérature et la culture urbaine, et son livre sur les images de la ville la nuit, New York Nocturne, sera publié en 2008.

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