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Acrylique: Mark Karnes: Peintures et dessins intimes

Acrylique: Mark Karnes: Peintures et dessins intimes

L'artiste du Maryland Mark Karnes peint des scènes de tous les jours en esquissant des études de valeur à l'encre ou à l'aquarelle, puis en peignant lentement à l'huile ou à l'acrylique sans dessin préparatoire détaillé.

par Ephraim Rubenstein

Salle à manger
Temps nuageux

2005, acrylique sur panneau,
16 x 16. Toutes les illustrations cette
collection d'articles l'artiste
Sauf indication contraire.

Poursuivant la longue file d'intimistes de Vermeer à Vuillard, Mark Karnes fait un monde séduisant des aspects les plus calmes de sa vie domestique. Comme tous les grands peintres du proche, le travail de Karnes nous rappelle que la beauté se retrouve partout, aux moments tant attendus qu’inattendus, et à chaque tour de tête. Dans le premier de ses Lettres à un jeune poète, le poète allemand Rainer Maria Rilke a formulé ce défi esthétique: «Si votre vie quotidienne semble pauvre, ne le blâmez pas; blâmez-vous, dites-vous que vous n'êtes pas assez poète pour appeler sa richesse; car pour le créateur il n'y a pas de pauvreté et pas de pauvre endroit indifférent. » Presque en réponse directe aux paroles de Rilke, Karnes réalise des peintures et des dessins dans et autour de sa maison du nord de Baltimore depuis plus de 30 ans. «Mon travail concerne ma connexion avec mon environnement. Les sujets de mes photos sont des choses qui me sont familières et immédiates. »

Karnes trouve son environnement immédiat si convaincant, en fait, que lorsqu'on lui a demandé où il allait voyager pendant son congé sabbatique, il a répondu: «Pourquoi voudrais-je aller n'importe où? Tout ce dont j'ai besoin est ici. » Dans l’expérience de Karnes, tous les aspects réparateurs du voyage - voir à nouveau, le renouvellement de nos sens - sont disponibles si vous ne pouvez, comme le suggère le poète Rilke, avoir les yeux pour les voir. Même en restant là où il est, Karnes vit toujours sa vie de voyageur.

Intérieur avec voilier involontairement résume cette attitude. Pour reprendre l'expression du poète Billy Collins, Karnes navigue seul dans la pièce, explore chaque centimètre cube, parcourt chaque surface et accoste dans chaque creux de cet espace familier, mais toujours mystérieux. Ce voyage particulier est effectué au milieu de l'hiver, lorsque le voilier jouet se trouve généralement en cale sèche sur la table. La froide lumière hivernale, si joliment rendue dans le tableau, baigne la chambre mansardée que Karnes utilise comme studio. Le modèle de voilier - la pièce maîtresse subtile de tout le tableau - suggère que tout est quête, tandis que le faisceau de lumière directe, frappant momentanément le mur du fond, nous rappelle que le temps passe et que les vents vont changer. Le jouet, aligné directement sous un dessin encadré, suggère également la capacité magique de la peinture à miniaturiser le monde, à le réduire et à le distiller en quelque chose que vous pouvez tenir dans votre main. Le chevalet pliant français très utilisé de Karnes, comme un bagage emballé et prêt à partir, se tient contre le mur directement sous la fenêtre, en attendant l'embarquement.

Après-midi Dormer
Lumière du soleil

1998, huile à bord, 13 x 9.

Même si cet espace mansardé est son studio principal, toute la maison est un jeu équitable pour l'installation de sa boîte de peinture. Comme Vuillard, ou le peintre danois du 19ème siècle Vilhelm Hammershoi, on sent Karnes rôder dans la maison avec un œil constant sur les sujets. Lorsqu'une idée de peinture commence à se formuler dans son esprit, des morceaux de ruban adhésif commencent à apparaître sur le parquet, marquant la position des chaises, tandis que les théières anciennes disparaissent soudainement, enrôlées pour la nature morte.

Ces dernières années, Karnes a pris l'habitude de réaliser de minuscules études à l'encre ou à l'aquarelle en noir et blanc de scènes qui piquent son intérêt. Ces premières investigations résument ses sensations visuelles les plus puissantes. En quelques minutes, ils enregistrent la division principale des lumières et des ténèbres en grandes masses simples. Karnes trouve que l'encre et l'aquarelle noire sont des matériaux extrêmement immédiats. Ils raccourcissent le temps entre voir le sujet et l'enregistrer, afin qu'il puisse y répondre avec une franchise impossible dans d'autres médias. À cette fin, il garde ces études extrêmement petites afin de pouvoir céder à l'impulsion et ne pas avoir à se soucier de contrôler la structure d'une œuvre plus grande. Il peut tout lire en un coup d'œil sur la page.

À l'heure actuelle, Karnes préfère utiliser l'aquarelle noire plutôt que l'encre, car avec l'aquarelle, dit-il, «les tons restent plus proches lorsqu'ils sont secs de ce qu'ils étaient lorsqu'ils étaient humides. Avec l'encre, les ténèbres ont tendance à s'éclaircir à mesure qu'elles sèchent, puis vous devez revenir en arrière et les retravailler. J'essaye de garder ça
immédiat que possible, avec le moins de révision possible. » De plus, Karnes peint des aquarelles à spectre complet, donc sa facilité avec le médium est un avantage pour lui. Il peut faire des dizaines de ces petites études avant de solidifier l'idée de la peinture. Ce ne sont pas seulement de belles œuvres à part entière, mais elles servent également de boussole tout au long du processus de peinture, garantissant qu'il ne s'écarte jamais de l'idée initiale.

L’hypothèse de l’artiste selon laquelle le monde visuel peut être analysé au mieux en noir et blanc révèle que Karnes est un tonaliste inhérent. En fin de compte, Karnes pense que la valeur - encore plus que la couleur - constitue l'aspect le plus fondamental de l'expérience visuelle. Cela étant dit,
Karnes est également un coloriste exquis, un homme dont les pensées de couleur sont raffinées et élégantes. En opposition au raz de marée saturé de couleurs du 20e siècle, il comprend que la couleur est une question de relation, pas seulement de volume. Sa tendance naturelle gravite vers l'hiver, lorsque la nature s'apaise et que le monde visuel se rassemble autour d'un centre plus doux.

Intérieur avec
Voilier

1989-2005, huile, 24 x 36.

Il peint souvent des études à l'huile et parfois aussi à l'acrylique, et celles-ci sont tout aussi frappantes par leur immédiateté et la précision avec laquelle elles analysent le champ visuel. Ces études sont consacrées à l'observation pure. En eux, il cesse de considérer ce que sont les objets et ne se soucie que de la façon dont ils apparaissent, ainsi que de la meilleure façon de traduire cette apparence dans le langage de la peinture. Les coups, les barres obliques, les barbouillages - tous parfaitement calculés et placés - deviennent étonnamment des bâtiments, des chaises et des faisceaux de lumière.

Karnes est né en 1948 à Astoria, New York. Il a fréquenté le Philadelphia College of Art, où il a étudié avec le peintre Larry Day. Il a également rencontré le célèbre réalisateur Sidney Goodman, qui a eu un grand impact sur lui. Bien qu'il n'ait jamais pris de cours avec lui, Goodman a critiqué son travail et l'a invité dans son studio pour voir sur quoi il travaillait. «Goodman a été le premier artiste vraiment sérieux que j'ai jamais vu de l'intérieur», dit Karnes. «Il était généreux envers moi, amical et terre à terre.»

La situation était bien différente quand il est allé à New Haven pour obtenir son M.F.A. à Yale. L'atmosphère était plus difficile et plus controversée, et son mentor, William Bailey, était cérébral, alors que Goodman avait été intuitif. Après avoir obtenu son diplôme, il s'est rendu en Italie grâce à une bourse Fulbright de 1979 à 1980. Bien qu'être en Italie et voir toutes ses richesses aient indéniablement été fructueux pour Karnes, son cœur est finalement resté à la maison et il n'est jamais revenu.

Intérieur avec
Sucrier

2000, acrylique sur panneau, 25 x 26.
Collection
Mary White.

Une grande partie du travail autour de sa maison a été d'apprendre à s'adapter à un grand nombre de situations d'éclairage différentes. «Ma maison a 30 fenêtres», observe Karnes. «Cela signifie que vous devez être extrêmement flexible et vous adapter aux conditions changeantes.» Outre l'effet que ces fenêtres ont sur ses peintures intérieures, elles lui offrent également une multitude de vues aériennes de son quartier. Les vues elles-mêmes - remplies de la configuration changeante des lignes téléphoniques et des jeux d'arrière-cour
ensembles - font partie de la réalité banlieue quotidienne. Entre les mains de Karnes, le quotidien devient magique. C'est sa ferme conviction que c'est la qualité de la lumière changeante qui compte.

Le peintre Pissarro a souvent parlé de fouiller dans différentes chambres d'hôtel, de regarder par les fenêtres, d'essayer de trouver la vue parfaite. Au fil des ans, la vision de Karnes est devenue impitoyablement démocratique, abandonnant l'idée qu'il y a une vue parfaite. Il a appris à accepter et à
apprécier précisément ce qui est devant lui, devenir le poète que Rilke exigeait. Il a conclu que peu importe le point de vue. Pour être le plus libre possible des idées préconçues et des attentes, il estime que l'effort global doit être plus ouvert, plus arbitraire. «J'ai des ennuis quand j'essaie de devenir trop pointilleux sur« ce que c'est ».» Comme Billy Collins, qui écrit sur la vie qui l’entoure immédiatement - des vélos se penchant devant les portes des pharmacies ou le matin pour aller chercher du lait et un papier - le travail de Karnes est imprégné du sentiment et de l’aspect du quotidien.

L'ouverture de Karnes se reflète également dans son utilisation de ses documents. Sa méthode de travail a évolué au fil des années et est toujours ouverte à la révision et à l'expérimentation. Tantôt l'artiste peint sur du lin, tantôt sur de la mousseline, tantôt sur des panneaux de Masonite gessés avec un rouleau à poils fins. Il peint principalement à l'huile mais passera occasionnellement à l'acrylique s'il a besoin que la peinture sèche immédiatement pendant qu'il travaille. Il utilise tout ce dont il a besoin, tout comme il accepte tout ce qu'il voit, sans insister pour trouver ce qu'il pense déjà être là.

Les croquis de Karnes sont généralement peints alla prima, tandis que les peintures les plus finies se développent plus lentement. Pour eux, il commence généralement par une surface tonique avec un lavage neutre à l'ombre brute. Même avec les pièces les plus compliquées, comme Intérieur avec voilier, l'artiste commence sans presque aucun dessin préparatoire. Ce qui l'intéresse au début, c'est la grande division de la lumière et de l'obscurité. Il commence alors à introduire des changements de température, en réfléchissant aux parties de la lumière qui sont chaudes et aux parties qui se refroidissent. À un moment donné, il ne fait que le dessin dont il a besoin pour l'aider à placer la couleur. Ce n'est que vers la fin qu'il précise les spécificités du dessin. Cela garantit que la peinture est toujours principalement sur le ton, la couleur et la lumière, plutôt que sur le sujet ostensible.

Fenêtre avec
Chevalet français

2007, aquarelle noire,
8 x 8.

Karnes maintient cette croyance en la primauté de la lumière même lorsqu'il peint l'objet qu'il connaît le mieux et le plus proche: lui-même. Il a récemment peint une série d'autoportraits dans lesquels il apporte ce même niveau de détachement à sa vision. Dans la plupart des autoportraits d’artistes,
le peintre utilise le miroir simplement comme un outil pour voir l'objet qu'il veut vraiment peindre: lui-même. Pensez à l’autoportrait tardif monumental de Rembrandt dans The Frick Collection, à New York, dans lequel Rembrandt est miraculeusement là devant vous, sa forme si palpable que vous sentez que vous pouvez tendre la main et toucher ce visage bien-aimé. Mais avec Karnes, vous n'obtenez pas cette réalité palpable; vous obtenez le reflet sombre de son image dans le miroir. La plupart des artistes se débarrassent du miroir pour se mettre en scène. Karnes est déterminé à vous donner le miroir, le monde éphémère des reflets et des ombres. C'est juste qu'il se trouve être dans le miroir à ce moment-là. Cela représente une allégeance à voir de l'ordre le plus élevé. Il parle d’un engagement de la vie à respecter la primauté de l’observation, même si c’est le moi le plus privé qui est en jeu.

À propos de l'artiste
Mark Karnes a reçu son B.F.A. en peinture du Philadelphia College of Art [aujourd'hui The University of the Arts] et de son M.F.A. de l'Université de Yale, à New Haven, Connecticut. Il est récipiendaire de prix et de subventions du National Endowment for the Arts, du programme Fulbright, de la Ford Foundation, du Maryland State Arts Council et du Baltimore Museum of Art. Le travail de Karnes fait partie de plusieurs collections importantes, dont la National Gallery of Art, à Washington, DC. Il possède
a été professeur au Maryland Institute College of Art, à Baltimore, pendant plus de 30 ans.

L'artiste et écrivain Ephraim Rubenstein est instructeur à l'Art Students League de New York et à la National Academy of Design School.

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